Сайт учителя ИЗО. Рыбалко Лариса Юрьевна

Дефекты масляной живописи и их исправление

Лора — Thu, 18 Sep 2014 12:37:28 GMT

Колористические возможности живописного произведения и сохранность картины зависят не только от качества материалов, применяемых в живописи, но и от того, насколько правильна технология живописи.

Следует отметить, что качество выпускаемых материалов достаточно высокое и те дефекты, которые встречаются в живописных произведениях, обычно являются следствием незнания техники живописи и материалов или низкокачественных грунтов.

Пожухание

Пожухание - ненормальные изменения в красочном слое, при которых живопись теряет блеск, становится глухой, черноватой.
Причина пожухания - потеря пигментами связующего. Пожуханию способствует:

чрезмерное впитывание грунтом масляного связующего;
пересохший грунт или имеющий макро и микротрещины;
нанесение красок на еще не просохший нижележащий красочный слой,
избыток в связующем воска или разбавителя;
очень малое количество масла в красках;
очень медленное высыхание живописи;
отсутствие связи между маслом и пигментом.

Для предупреждения пожухания рекомендуется наносить краски на вполне просохший красочный слой. Сухой красочный слой следует предварительно обрабатывать лаком "Ретушь", в краски необходимо добавлять лаки или уплотненное масло № 1 или № 2; не злоупотреблять разбавителями.

Для частичного устранения пожухания живопись протирают уплотненным маслом № 1 или № 2, а затем ретушным лаком.

Почернение, пожелтение

Почернение или пожелтение, ухудшение цветовых свойств красок происходит под воздействием физико-химических изменений в красочном слое.

Почернение или пожелтение наступает:

в связи с пастозными прописками по недостаточно просохшему красочному слою;
при применении осмелившегося пинена;
при избытке масла в краске;
при чрезмерном применении масляного копалового лака;
при недопустимом смешении красок, например: белил свинцовых с кобальтом синим, ультрамарином, краплаком красным, золотисто-желтым "ЖХ" и др.;
под воздействием сернистых газов и сероводорода;
от сырости, недостатка света при высыхании красок.

Для частичного устранения почернения может быть рекомендована протирка живописи уплотненными маслами № 1 или № 2, а затем лаком "Ретушь".

Кракелюр

Кракелюр - трещины, образующиеся на живописном слое. Кракелюр подразделяют на жесткий с острыми краями и мягкий, или плывущий, который может быть поверхностным или же глубоким.

Образование кракелюра вызывают:

не выдержанные необходимое время грунты;
прописка по полусырому красочному слою;
переклеенные грунты и грунты, содержащие недостаточное количество клея;
трещины в грунте;
чрезмерно разбавленная краска подмалевка;
преждевременное покрытие лаком картины;
колебания влажности и температуры воздуха;
механические повреждения холста.

Для ликвидации такого серьезного дефекта, каким является кракелюр, требуется работа реставратора.

Отслаивание

Отслоение живописного слоя вызывается нанесением красок на поверхность сухой, часто старой живописи. В таком случае полностью отсутствует адгезия - сцепление свежей краски с нижележащим слоем и по высыхании краска отслаивается.

Для сцепляемости краски с сухим живописным слоем его предварительно прошкуривают - делают достаточно шероховатым - и затем тщательно обрабатывают лаком "Ретушь".

Меление красок

Этот дефект вызывается потерей пигментом краски связующего - масла.

Меление красок происходит:

при тянущем грунте;
когда масло диффундирует в рыхлый или трещиноватый грунт;
когда нижележащие слои красок обладают большей маслоемкостью, чем наносимые;
краски, у которых пигменты плохо удерживают связующее, к таким краскам относятся: цинковые и свинцовые белила, краплаки, золотисто-желтая "ЖХ", кобальт зеленый, ультрамарин, умбра, сиена и некоторые другие.

Меление красок часто сопровождается растрескиванием красочного слоя.

Во избежание меления красок при работе на тянущих грунтах и в других случаях, вызывающих меление рекомендуется писать на живописных лаках.

Сседание

Сседание - сжатие красочного слоя. Оно происходит при быстром уменьшении объема красок, что вызывает сморщивание красочного слоя.

Причины сседания:

краски были сильно разбавлены маслом и нанесены пастозно;
для живописи применялось некачественное масло (например, горячего прессования),
разбавленные краски нанесены на недостаточно просохший нижележащий живописный слой;
колебания температуры и влажности воздуха.

Помутнение живописи

Помутнение живописи происходит:

при потере красками связующего;
при поглощении даммарным лаком влаги, если этим лаком была покрыта картина;
при применении окислившегося пинена;
при применении прогорклого" масла.

Для устранения помутнения живопись протирают лаком "Ретушь" или уплотненными маслами № 1 или № 2.

При помутнении покрывного лака (даммарного) лаковое покрытие обрабатывают над парами спирта.

Деформация (покоробленность)

Этот дефект состоит в образовании на картине волнообразных складок.

Складки образуются:

при слабой натяжке холста;
при неправильно сделанном подрамнике;
при неправильном или редком расположении гвоздей при натяжке холста;
при резких изменениях температуры и влажности воздуха.

Обычно складки представляют собой широкие волнистые неровности холста, иногда покоробленность холста характеризуется складками, расходящимися в стороны от углов подрамника.

Для устранения покоробления холста картину помещают в нормальные влажностно-температурные условия (нормальная влажность 60-65%, температура + 20 градусов).

Если деформация не устраняется, то холст осторожно подтягивают клинками подрамника, но без перетяжки.
Покоробленность - серьезное повреждение холста и часто требует вмешательства реставратора.

Вмятины

Вмятины образуются при механических повреждениях картины (ударах, нажатиях на холст и т. п.).
Вмятины могут быть и на грунтованных холстах. Обычно на местах вмятин образуется кракелюр или даже отслаивание красочного слоя, дефект усиливается при смачивании холста водой при попытках удаления вмятин.

Удаление загрязнений с поверхности картины

Речь идет не о реставрации картин с удалением загрязнений, а лишь о косметической чистке картин, не представляющих какой-либо особой художественной ценности, так как профессиональная реставрация - с удалением загрязнений - требует специальных знаний и навыков.

Для удаления загрязнений, образовавшихся на поверхности лаковой пленки, применяют эмульсии следующих составов:

№ п/п	Вода	Пинен	Спирт
1	50%	50%	-
2	45%	45%	10%
3	30%	60%	10%
4	30%	50%	20%

Количество спирта в эмульсин должно регулироваться, так как повышенное содержание его в эмульсии может вызвать растворение лаковой пленки. Поэтому эмульсию следует предварительно проверить на небольшом малозаметном участке картины.

Для удаления загрязнений применяют ватные тампоны и щетинные круглые кисти.

Смешение красок

Лора — Fri, 15 Aug 2014 00:44:53 GMT

Основы живописи

Виды смешения красок

Краски, применяемые в "живописи, по цвету разделяют на спектральные, которые составляют солнечный цвет, и простые. Простыми называют такие краски, которые невозможно составить из других красок, но из смеси простых красок можно составить все остальные.

Простых красок три:

желтая - стронциановая лимонно-желтого оттенка
красная - краплак розово-красного оттенка
синяя - лазурь голубого оттенка.

В живописи существует три вида смешения красок, что дает возможность получать необходимый цветовой тон или оттенок.

Получение нужных цветов и оттенков может достигаться механически, при смешивании красок на палитре, оптически, при нанесении тонкого слоя просвечивающей краски поверх высохшей, ранее нанесенной краски, и так называемое пространственное смешение, являющееся одним из видов оптического смешения.

Механическое смешение масляных красок всегда производят на обычной палитре, в то время как акварельные краски смешивают на белой эмалированной палитре, на фаянсовой тарелке, на белой пластмассовой палитре, на стекле с подклеенной белой бумагой или просто на белой бумаге. Такое смешение дает возможность получать истинные цвета красок, разбеливаемых белым цветом фона палитры.

Для механического смешения цветов закономерности оптического смешения цветов неприемлемы, так как результат, получаемый при механическом смешении цветов, часто совершенно другой, чем при оптическом смешении тех же цветов. Например, при смешении трех спектральных лучей - красного, синего и желтого - получается белый цвет, а при механическом смешении красок тех же цветов получается серый цвет; при оптическом смешении красного, и синего световых лучей получается желтый цвет, а при механическом смешении двух красок этих же цветов получается тускло-коричневый цвет.

Для достижения - требуемого эффекта при оптическом смешении красок применяются краски просвечивающие, так называемые лессировочные. В палитре масляных красок к таким краскам относятся: золотисто-желтая "ЖХ", Ван-Дик коричневый, кобальт синий, кобальт синий спектральный, тиоиндиго розовая, изумрудная зеленая и волконскоит, а также полулессирующие краски: сиена натуральная, марс коричневый светлый, охра темная, марганцевая голубая.

Для оптического смешения цветов характерны следующие закономерности:

К любому, оптически смешиваемому хроматическому цвету можно подобрать другой, так называемый дополняющий хроматический цвет, который при оптическом смешении с первым (в определённой пропорции) дает ахроматический цвет- серый или белый.
Взаимно дополняющие цвета в спектре - это красный и зелено-голубой, оранжевый и голубой, желтый и синий, желто-зеленый и фиолетовый, зеленый и пурпурный.

В палитре акварельных красок подавляющее большинство относится к лессирующим, обладающим способностью полностью растворяться в воде (так как этот вид красок готовится на красителях), а при нанесении на бумагу или на ранее нанесенную краску - просвечивать, разбеливаясь на бумаге или изменяя тон. Остальные же акварельные краски готовят из земляных пигментов, они не растворяются в воде, и пигменты находятся во взвешенном состоянии.

Масляные краски созданы для техники корпусного письма, предназначенного для передачи света, для отображения рельефной фактуры, но мазками масляной живописи часто достигается эффект пространственного смешения красок, когда в результате оптической смеси двух расположенных близко друг к другу цветов, если смотреть на них на достаточно большом расстоянии, можно увидеть новый цвет.

Наиболее типичным видом пространственного смешения красок является "пуантельная" живопись, где точечки или мелкие мазки, расположенные близко друг к другу, создают эффект оптической смеси красок. Следует отметить, что на этом принципе смешения цветов построена техника мозаики, набор которой состоит из кусочков цветного стекла - смальты.

В цветовом круге взаимно дополняющие цвета находятся на противоположных концах его диаметра.

Оптическое смешение двух недополняющих хроматических цветов дает новый цветовой тон, который в цветовом круге находится всегда между смешиваемыми, недополняющими хроматическими цветами. Как правило, насыщенность цвета, полученного в результате оптического смешения - двух недополняющих цветов, будет всегда меньше, чем у смешиваемых цветов. Чем дальше друг от друга находятся в цветовом круге смешиваемые недополняющие цвета или чем ближе смешиваемые цвета подходят к взаимно дополняющим, тем менее насыщенным получается цвет смеси.

Правила смешения цветов и нанесения красок

Располагать краски на палитре следует в строгом порядке. Рекомендуется чистые краски располагать в порядке спектра. Можно в середине красок класть белила. При этом необходимо придерживаться расположения красок: одна группа должна состоять из зелено-синих красок, а другая из оранжево-красных, коричневых и сине-фиолетовых.
Беря краски для смешения, следует иметь в виду не только их цвет и насыщенность, но и фактуру мазка. Не нужно смешивать более трех красок во избежание загрязнения красочной смеси. При смешении красок следует учитывать процессы, приводящие к изменению цвета, связанные с химическим взаимодействием пигментов при смешивании некоторых красок: потемнение, выцветание, растрескивание красочного слоя.
В палитре выпускаемых красок для масляной живописи следует обратить внимание на те краски, которые уже состоят из смеси красок. К таким краскам относятся: неаполитанская желтая, состоящая из свинцовых белил, кадмия желтого и охры красной; умбра натуральная изготовляется заводом красок в виде смеси трех земель: волконскоита, марса коричневого и феодосийской коричневой.
Специфической особенностью отличается охра светлая, склонная при контакте со сталью зеленеть, что происходит в масляной живописи при работе мастехином или разведении акварельной краски в железной чашечке.
В наборах акварельных красок есть также краски, обладающие своими особенностями. Эти краски склонны при большом разведении водой к агломерации, когда частицы пигмента связываются (слипаются) между собой, образуя хлопья, и краски теряют способность равномерно разноситься по бумаге. К таким краскам относятся: кадмий красный, ультрамарин и в меньшей степени кобальт синий. Для уменьшения агломерации рекомендуется для разведения красок применять дождевую (профильтрованную) воду или дистиллированную.
При оптическом-лессировочном нанесении красок просвечивающие краски следует наносить лишь после полного высыхания ранее положенных красок. При большой цветовой насыщенности акварельных красок их прозрачность пропадает, так как исчезает просвечиваемость бумаги. В случае необходимости устранения прозрачности акварельных красок краски размешивают мыльной водой или к ним добавляется гуашь.
При работе гуашевыми красками следует помнить о склонности этик красок к высветлению при высыхании (см. "Материалы для живописи гуашью"). Как указывалось, гуашевые краски выпускаются двух видов - плакатные и художественные. Гуашь плакатная обладает более вязкой настой и иногда требует разведения водой. При нанесении плакатной гуаши на материал в нее необходимо добавлять 2-3-процентный раствор столярного клея.
При работе гуашью не следует брать краску из банки кистью, так как смоченная кисть каждый раз будет брать краску различной густоты и при высыхании на ней могут быть обнаружены полосы или пятна. Поэтому краски перед работой следует разводить в отдельных чашечках.
При "пуантельном" нанесении красок, чем меньше будут мазки, пятна или точки краски, тем значительнее будет эффект пространственного-отического смешения цветов; из этого можно сделать вывод, что в процессе живописи следует учитывать "отношения цветов" так как расположенные рядом цвета влияют круг на друга. Поэтому, начиная работать над живописью, следует обязательно наносить все основные тона сразу, чтобы видеть отношения между ними.
Изменение цвета красок в зависимости от тона фона.

Техника рисования сухой кистью

Лора — Tue, 17 Dec 2013 03:21:33 GMT

Рисование сухой кистью – это особая техника, которая лежит на стыке графики и живописи. При рисовании используются очень жесткие кисти и масляные краски. Техника сухая кисть заключается в том, что краски растираются на бумаге или ткани, при этом краски используется очень мало.

Техника «сухой кисти» – это метод, который даёт современному художнику широкий спектр возможностей в творческом воплощении исполняемых образов. Данный метод позволяет добиться мягкой градации цветов, плавных переходов, детальной проработки, - допустим: портрета, чтобы полностью передать характер изображаемого героя, его индивидуальность. Не удивительно, что современные художники - мастера художественного образа широко используют технику «сухой кисти», позволяющую ярко и реалистично выразить художественный замысел. Например: написать художественный портрет, или же романтичный пейзаж, как в прочем и красочный натюрморт. «Сухая кисть» наиболее популярна среди так называемых свободных художников, потому что позволяет в короткие сроки создавать эффектные визуально (и с коммерческой точки зрения, тоже) портреты с натуры или фотографии. Однако для того, чтобы добиться мастерства в этой, казалось бы, простой технике, необходимы годы терпеливых тренировок и ежедневных упражнений.

Для рисования в технике сухая кисть вам понадобится: жесткие кисти, бумага, масляная краска, жесткий ластик, гуашевые белила, палитра, разбавитель для красок, ветошь. Количество кистей, которое вам понадобится, если вы решили рисовать сухой кистью, зависит от вашего мастерства владения техникой и от поставленных в конкретном случае задач.

Этапы рисования:

1. Для рисунка сухой кистью, можно использовать бумагу или ткань. Бумагу лучше взять текстурированную, например, под холст или под яичную скорлупу. Акварельная бумага отлично подходит для рисования сухой кистью. Нужно обязательно иметь ввиду,что фактура бумаги будет отчетливо проступать в изображении, поэтому для рисовании портрета нужно подобрать бумагу с наиболее тонкой фактурой, очень подходящая для такого рисования итальянская акварельная бумага "FABRIANO". Кисти следует выбрать жесткие, очень хороши из свиной щетины, для более мягких переходов лучше подходят синтетические кисти.

2. Карандашом нанесите на бумагу контуры рисунка. Контур должен быть минимальный, еле заметный. Нужно делать это очень легко и аккуратно, так как краски используются малонасыщенные, и их слой достаточно тонкий. Если жирные карандашные линии будут заметны, то это испортит рисунок. Лучше проработать рисунок заранее на другом листе бумаги, чтобы на этапе нанесения контуров не применять ластик. Он повредит текстуру бумаги, а также может способствовать появлению катышков. Не неровную и в катышках поверхность краски лягут плохо.

3. После того, как контуры рисунка готовы, начинается работа цветом. Перед тем, как приступить к работе краской, её нужно нанести на палитру и растереть с помощью мастихина до однородного состояния. Не должно быть комочков или сгустков, краска должна представлять собой идеальную пасту.

4. Возьмите кистью немного краски, а затем несколько раз проведите ей по палитре. Так краска равномерно распределится по щетине кисти. Краски не должно быть много, иначе можно испортить весь рисунок. Если краска кончилась, то можно взять еще и также точно рассредоточить краску по кисти с помощью палитры.

5. Начинать рисунок следует большой кистью. Проработайте ею основные тона. Затем возьмите кисть поменьше и работайте с более мелкими тоновыми элементами рисунка. И так до тех пор, пока рисунок не будет почти полностью готов. Осторожно втирайте краску в бумагу, не слишком сильно и не слишком много краски.

6. После построения светотеневой конструкции рисунка, можно приступить к детальной проработке, для этого потребуется самая тонкая кисть. Краску на такой кисти можно не растирать, так-как всё равно она берёт на себя минимум пигмента. При рисовании портрета таким образом прорабатываются глаза, губы, волосы и другие мелкие детали.

7. Высветление отдельных деталей при помощи ластика. Уточнение отдельных светлых пятен, линии волос, светлые места и так далее.

8. Нанесение бликов. Блики обычно наносят гуашевыми белилами, когда весь остальной рисунок готов. Такие белила очень быстро сохнут и они непрозрачные. Нужно стремиться к тому, чтобы мазок был минимальный. Гуашь не должна выделяться на фоне очень тонкой фактуры масляной краски в технике сухая кисть.

9. Не забудьте поставить дату и подпись, на свой шедевр))) Это нужно вашим потомкам)))

http://shedevrs.ru/osnovi-givopisi/421-tehnika-suhayakist.html

Техника масляной живописи

Лора — Sun, 29 Sep 2013 09:16:41 GMT

Основы живописи

«Техника — это язык художника; развивайте ее неустанно, до виртуозности. Без нее вы никогда не сумеете рассказать людям свои мечтания, свои переживания, увиденную вами красоту». (П.П. Чистяков. Письма, записные книжки, воспоминания.)

«Техника только средство, но художник, пренебрегающий этим средством, никогда не разрешит своей задачи.., он будет похож на наездника, позабывшего задать овса своей лошади». (Роден).

Наряду с подобными высказываниями мастеров о значении технического умения, развитого до виртуозности, вы встретите предостережения не увлекаться техническими приемами как самоцелью, а тем более не заимствовать их слепо у полюбившихся мастеров.

«Кто идет за другими, никогда их не обгонит, и кто сам не умеет работать как следует, никогда не сумеет как следует воспользоваться чужими произведениями», — так категорично утверждал Микеланджело. (А. Сидоров. Рисунки старых мастеров.)

Известный советский художник и педагог И. П. Крымов как бы продолжал эту мысль, говоря: «Многие у нас стараются подражать большим мастерам. Подражают они их манере, а манера — дело последнее. Часто подражают Константину Коровину, но пишут фальшиво… Лучше бы его подражатели старались повторить его путь. Идя этим путем, они, может быть, начали писать не по-коровински, а по-своему». (П.П. Крымов — художник и педагог).

Вдумайтесь в эти мудрые высказывания и не ищите рецептов смешения красок и обязательных способов наложения мазков.

Самый первый вопрос, который задают юные или взрослые начинающие художники это:

С чего начинать?

Конечно, начинать нужно с рисунка непосредственно на холсте или картоне, лучше даже с небольшого наброска — эскиза на бумаге карандашом или углем который затем можно перенести на холст. В эскизе вы имеете больше возможностей поискать интересную точку зрения, продумать композицию, уточнить пропорции и т. д. Можно, однако, эту часть предварительной работы проделывать и непосредственно на холсте или картоне, при этом лучше рисунок делать углем, который можно легко смахивать с поверхности кусочком тряпки и таким образом исправлять, уточнять его. Можно рисовать по грунту и карандашем ‚ однако его приходится стирать резинкой, что нарушает поверхность грунта.

Сделанный углем рисунок нужно затем смахнуть тряпкой, так, чтобы остался лишь след от него. Если уголь не стряхнуть, он будет перемешиваться с краской и загрязнять её. После смахивания угля слабозаметный рисунок можно обвести жидко разведенной краской—синей или коричневой.

И снова вопрос: с чего начинать собственно работу красками? Ответить можно: со всего сразу. Этот странный ответ легко объяснить. Неправильно начинать сверху или снизу, справа или слева и т. д. Нужно сразу же определить основные отношения цветов по светлоте и по цветовому тону и пусть — пока приблизительно — их наметить, определив при этом, что самое темное, что самое светлое. Эту наметку, которую обычно называют подмалевком, рекомендуется делать жидко разведенными красками.

Начинающим важнее знать, что нельзя писать этюд по частям, а надо раскрывать его широко, целостно. Нельзя отделывать какой-то кусок живописи, оставляя кругом пестрый холст или приблизительно намеченные оттенки.

Б.В. Иогансон рекомендует начинающим писать сразу по всему холсту мазками, которые раскладывают и соотносят по цвету, как подбирают цветные камешки мозаики. При этом надо поддерживать одинаковую степень проработанности всех частей изображения, вести работу «от общего к частному».

Первые опыты следует проделать на несложных натюрмортах, состоящих из двух-трех предметов.

Сначала нужно весь натюрморт прописать жидко разведенными красками, примерно определить цвета предметов и их отношения по светлоте затем переходить уже к более густому письму. При этом работу нужно все время вести целиком, переходя от одного предмета на другой, а не так, чтобы закончить полностью одну какую-либо часть и затем приступать к следующей. Если работа оказывается прерванной на сутки или более, то при продолжении верхний слой красок нужно снять мастихином или пропитать маслом, а еще лучше лаком "Ретушь". Слой масляной краски начинает высыхать с того, что на поверхности образуется тонкая пленка, которая затем все более утолщается и, наконец, высыхает на всю толщину красочного слоя.

Если на слой краски уже после образования пленки нанести новый слой то, высыхая, краска сжимается и разрывает пленку нижнего слоя. При этом масло из этого слоя уходит в нижний, и в результате образуются так называемые пожухлости, при которых краска теряет глубину тона, блеск и выглядит глухой, вялой. Пожухлости после окончания работы можно устранить, пропитав эти места маслом, но при этом необходимо проследить, чтобы лишнее масло не осталось на поверхности красочного слоя. Если через несколько часов после пропитки на картине останутся блестящие пятна (от масла, лежащего на поверхности красочного слоя их нужно осторожно вытереть мягкой тряпкой.

Если не закончили работу за один сеанс, то последующую прописку делайте по просохшему красочному слою. Иначе появятся пожухлости и почернение цвета.

Но в тех случаях, когда между сеансами не прошло более 2—3 дней, можно растворить образовавшуюся пленку краски, протирая этюд разрезанной долькой чеснока или луковицей. После этого можно продолжать работу «по-сырому», не боясь пожухания.

Масляные краски хорошо ложатся на соответствующий грунт и позволяют легко моделировать, тушевать и достигать тончайших незаметных переходов из тона в тон, так как долго остаются сырыми, притом при высыхании не изменяют своего первоначального тона. Но было бы ошибочно думать, что масляная живопись не нуждается ни в каких методах исполнения и позволяет безнаказанно наносить один слой красок на другой без всякой системы. Напротив, и масляная живопись требует вполне определенной системы выполнения. Правда, дефекты неправильного использования материалов в масляной живописи не так скоро обнаруживаются, как это наблюдается при тех же условиях в других техниках живописи, но раньше или позже они обнаружатся неизбежно.

Все нормальные методы масляной живописи сводятся к двум характерным приёмам:

1) Живопись в один прием «алла прима» (alla prima) —метод, при котором живопись ведется таким образом, что при артистическом знании дела живописцем и благоприятных условиях произведение может быть закончено в один или несколько сеансов, но прежде чем краски успеют засохнуть. В этом случае ресурсы колорита живописи сводятся лишь к тем тонам, которые получаются от непосредственного смешения красок на палитре и просвечивания их на применяемом в дело грунте.

2) Живопись в несколько приемов — метод, в котором живописец расчленяет свою живописную задачу на несколько приемов, из которых каждому отводится специальное значение, намеренно с определенным расчетом или же вследствие больших размеров произведения и пр.

В этом случае работа расчленяется на:

первую прописку — подмалевок, в котором задача живописца сводится к прочному установлению рисунка, общих форм и светотени, колориту же или отводится второстепенное значение, или же он ведется в таких тонах, которые лишь в дальнейших прописываниях с поверхлежащими красками дают искомый тон или эффект,
на вторую, третью и т. д. прописки, в которых задача сводится к разрешению тонкостей формы и колорита.

Этот второй метод дает возможность использовать все ресурсы масляной живописи.

Необходимо всегда выполнять основные правила живописи:

1) не наносить масляных красок толстыми слоями вообще и тем более красок, богатых маслом;

2) пользоваться в живописи всегда умеренно тянущим (масло) грунтом, равно как и подмалевком и вообще нижележащими слоями живописи, насыщая их маслом при недостаточном его содержании в последних.

Лучшим приемом живописи при второй прописке является живопись «алла прима», которая дает свежесть живописному исполнению.

Вторая прописка ведется более жидкими красками, чем подмалевок. Здесь применимы лаки для живописи и сгущенные масла. Последние вводятся в краски в смеси со скипидарными лаками. Вторая прописка по содержанию в ее красках связующих веществ, таким образом, превышает подмалевок. Старинный принцип наслоения масляных красок — «жирное по тощему» — соблюдается при этом вполне. Не следует, однако, злоупотреблять здесь маслами и лаками, а лучше придерживаться известной умеренности.

Если подмалевок велся в условных тонах, то для облегчения труда полезно начать вторую прописку в локальных тонах натуры с лессировки или полу лессировки, поверх которых уже следует корпусная живопись.

Исправления в масляной живописи

Масляные краски с течением времени приобретают всё большую и большую прозрачность. Такое повышение прозрачности наблюдается и в корпусных красках, причем некоторые из них, как свинцовые белила, становятся просвечивающими вследствие утраты ими кроющей силы, а также утончения слоя при высыхании. Принимая во внимание эту особенность масляной живописи, необходимо быть весьма осторожным ко всякого рода перепискам и радикальным переделкам в масляной живописи, в которых иногда нуждается живописец, так как все исправления и записи, сделанные тонким слоем корпусных красок, по прошествии большого промежутка времени становятся вновь видимыми.

Так, в конном портрете Филиппа IV работы Веласкеза видно восемь ног, из которых четыре выступают из-под тона земли, которым прикрыл их автор, будучи недоволен, повидимому, положением ног.

В портрете художника Литовченко работы И. Крамского (Третьяковская галлерея) через черную шляпу, надетую на голову художника, просвечивает довольно ясно лоб Литовченко. на который шляпа была надета, как видно, позднее, когда голова была уже написана. В портрете Рембрандта «Ян Собесский» палка, которую держит в руке Собесский, имела вначале большие размеры, а потом укорочена. Таких примеров может быть указано много.

Приведенные примеры ясно показывают, что исправления, сделанные тонким слоем, даже непрозрачных красок, в масляной живописи не достигают своей цели. Здесь необходимы основательные повторные наслоения красок, которыми только и можно сделать навсегда невидимыми те места живописи, которые хотят уничтожить. Еще лучше в этом случае предназначен¬ные для переделки места очистить совершенно от живописи и записать их затем по чистому грунту заново. С помощью хлороформа, ацетона и бензола легко и быстро можно удалить дочиста даже очень старую масляную краску.

При небольших исправлениях на ответственных местах (например, голове, руках портрета и пр.) нужно учитывать могущее произойти вжухание и обычное потемнение под лаком исправленных мест. И потому, приступая к исправлению, места, подлежащие переделке, хорошо просушивают, покрывают жидким лаком и производят поправку красками с лаком для живописи, чтобы избежать наверняка появления вжухлости. В том же случае, если вжухлость образовалась, ее не следует крыть лаком для ретуши, а возвращать ей потерянный блеск и тон одним лишь промасливанием.

Здесь изложены лишь самые общие, элементарные сведения по технике масляной живописи, сведения, с которыми должен быть знаком каждый начинающий художник. Разумеется, этими краткими советами техника масляной живописи не исчерпывается. Художник накапливает знания и навыки в этой области сам в процессе практической работы.

Другие способы масляной живописи — технику подмалевка, корпусной лепки форм, лессировок изучите по мере накопления опыта. Надо идти «от простого к сложному».

http://shedevrs.ru/osnovi-givopisi/406-nachalo.html

Из истории масляной живописи

Лора — Mon, 02 Sep 2013 12:40:47 GMT

Масляная живопись принадлежит к очень древнему способу живописи. О времени, когда и кем введено масло впервые в качестве связующего вещества красок, имевшее столь важное значение в истории развития живописи как искусства, не имеется данных.

Известно, что ещё первобытные люди расписывали пещеры пигментами смешанными с маслами и жирами, которые являлись прообразами масляных красок.

Известно, что растительные масла для красочных составов употребляли еще античные живописцы. Энкаустические краски, применявшиеся в античности, включали в себя не только воск, но и льняное масло. Упоминания о льняном масле как компоненте масляных красок можно найти в ряде трактатов и манускриптов VIII-XII веков. А в трактате Ираклия (XIII век) в главе 26-й имеются даже рекомендации по приготовлению масляных красок: "...Возьми краски; которыми ты хочешь писать, разотри их тщательно с льняным маслом без воды и сделай смесь для лиц и одежды, как это ты раньше делал, стирая краски с водой, и изображай животных, птиц или листья разными красками, как захочешь". В главе 29-й того же трактата дается технология обработки льняного масла для приготовления масляных красок: "Известь и масло возьми по соразмерности, смешай и вари все, снимая пену. Прибавь туда соответственно взятому маслу некоторое количество свинцовых белил и поставь на один месяц или более на солнце, часто помешивая. Знай, чем дольше масло стоит на солнце, тем лучше. Затем процеди и мешай на этом краски". Здесь и варка масла для его полимеризации, и применение извести для удаления белковистых включений, находящихся в нем, и введение свинцовых белил, делающих масло быстросохнущим, и уплотнение и отбеливание масла на солнце.

С введением и повсеместным распространением масляной живописи начинается новая эра в искусстве, которое с этого времени быстрыми шагами идет вперед. Ни одному из связующих веществ живопись не обязана в такой мере своим развитием, как маслу. Масла дали живописцу свободу и выход из подчиненного положения по отношению к материалу, порабощавшему его волю, окрылили живописца и создали необычайный подъем, открыв новые широкие горизонты и возможность безграничных творческих достижений.

Средневековая живопись на масле, состоявшая из одного масла и красок, была по своей сущности близка современной; тем не менее она не пользовалась популярностью у живописцев своего времени и применялась лишь в редких случаях: при некоторых росписях стен, покрасках, т. е. в работах декоративных, не требовавших тонкости в исполнении, а также при лессировках в темпере; вся же тонкая и деликатная живопись выполнялась техникой иного рода. Это странное, как кажется на первый взгляд, отношение живописцев к маслу при более внимательном изучении вопроса получает весьма простое и естественное объяснение. Дело в том, что масло не отвечало запросам примитивной техники живописи, приемы которой вытекали из другого вида красок, обычных в то время, главным составным элементом связующего вещества которых была вода.

Первоначальные приемы живописи, державшиеся в продолжение веков, обязаны своим происхождением водяным краскам, а не маслу. Вся техника живописи до Ван-Эйков имела характер живописи водяных красок (темпера, клеевая живопись, фреска и пр.), так как и была таковой; и потому естественно, что медленно сохнущее сырое масло, притом густой консистенции (как результат обработки, очистки и пр.), появившись в живописи, было чуждым, непривычным и малоотвечающим делу материалом с точки зрения средневекового живописца, воспитанного на красках, в связующем веществе которых такую существенную роль играла вода.

Лишь только после усовершенствования масляных красок, сделанного Яном Ван-Эйком (XV столетие), приблизившего их по свойствам высыхания и консистенции (вследствие введения в них эфирных масел и сушек) к водяным краскам, перед которыми масляные имели многие несомненные преимущества, наблюдается и быстрый рост интереса к ним у живописцев и быстрое вытеснение ими других способов станковой живописи. Но и масляная живопись Ван-Эйка и его последователей первое время продолжала носить на себе отпечаток водяной живописи: так велико значение традиций и так велико значение навыка. Только значительно позднее масляная живопись (у итальянских ее последователей) теряет свой робкий характер и обнаруживает мощную силу и полную самостоятельность.

Изучение письменных источников - трактатов, записок, манускриптов - позволило Ю. И. Гренбергу сделать вывод, что масляными красками пользовались уже в ХIII веке. Легенда же об изобретении масляной живописи Яном ван Эйком, рассказанная Вазари сто лет спустя после смерти знаменитого нидерландца, повторенная ван Мандером, а в XIX веке подтверждавшаяся секретарем Kopoлевской школы изящных искусств во Франции Мериме, осталась; только легендой, кочующей из одной книги по искусству в другую.

Мастера живописи эпохи Возрождения поистине упивались новой техникой и использовали ее в совершенстве. Лучшими образцами масляной живописи являются произведения мастеров различных национальностей названной эпохи, представляющие гармоническую связь между материалами, введенными в дело, и их творчеством. Эта же эпоха разработала и лучшие приемы техники, ставшие позднее для многих поколений живописцев идеалом, к которому стремятся, и оставшиеся до сего дня не вполне разгаданными и раскрытыми.

В XVIII столетии с упадком искусства наблюдается и упадок техники живописи. Лучшие приемы старой масляной живописи утрачиваются и постепенно отходят в забвение, но масло твердо остается на своем месте и не только не утрачивает своего значения, но, в силу традиций и навыков, проникает всюду, даже в область монументальной стенной живописи, где, разумеется, очень скоро терпит полное поражение.

К началу XIX столетия вся техника живописи вообще сводится почти к одной масляной живописи: выросшая и окрепшая на масле живопись в конце концов злоупотребляет маслом.

Вид разрушающихся произведений позднейшего искусства, пожелтение, потемнение и растрескивание, наблюдавшиеся в масляной живописи этого времени, а также желтый "галлерейный" тон великих произведений минувших эпох - все это вызывает реакцию по отношению к маслу, переходящую, наконец, в гонение на него. Сначала масляная живопись изгоняется со стен и заменяется фреской и новыми способами живописи со связующими веществами, вновь открытыми (растворимым стеклом); затем изыскиваются и новые связующие вещества для станковой живописи. На смену маслу предложен ряд связующих веществ и техник, между которыми начинает приобретать популярность возрождеиная темпера в виде новой "эмульсионной темперы". Наиболее вдумчивые художники, обеспокоенные будущим своих произведений, изыскивают способы передать их потомству в том виде, как они вышли из-под их кисти. На помощь живописцу приходит и наука, старающаяся своими данными обеспечить прочную опору технике живописи.

Живопись давно уже стоит перед трудно разрешимой для нее дилеммой: или продолжать пользоваться масляными красками и применять отвечающую им технику, которая в основе своей вытекала бы из их материальных свойств, или же заменить их другими красками с другой техникой, более отвечающей современным потребностям. Только при счастливом разрешения этой дилеммы следующие за нами поколения получат от нашего живописного искусства соответственное наследие.

Живопись масляными красками

Лора — Tue, 11 Jun 2013 06:07:19 GMT

Масляная живопись — одна из живописных техник, использующая краски с растительным маслом в качестве основного связующего вещества.

Пигмент

Масляные краски состоят из сухих пигментов и высыхающего масла. Например, может применяться масло семян льна, мака или масло грецких орехов.

Современные пигменты ярче, устойчивее и разнообразнее пигментов, использовавшихся старыми мастерами. Они также менее токсичны.

Пигменты бывают прозрачные (лессирующие) и укрывистые (покрывные). Прозрачные пигменты прозрачны сами по себе и создают ощущение глянца и глубины в слое краски. Укрывистые непрозрачны и пропускают свет, только если их сильно разбавить, но ощущения глубины все равно не получается. Прозрачные краски почти не теряют насыщенность при смешивании, укрывистые же быстро сереют — если смешать достаточно разные цвета. Старые мастера как правило предпочитали прозрачные краски, а на палитрах импрессионистов, наоборот, все краски, за исключением ультрамарина, были укрывистые.

Лучшие краски содержат всего один пигмент в максимальной концентрации. Но иногда, чтобы заменить токсичный, неустойчивый или дорогой пигмент, краску смешивают из нескольких пигментов. Часто такие краски смешиваются для того, чтобы придать красочному слою прозрачность там, где оригинал укрывист. Хотя большинство красок, полученных подобным способом, уступают оригиналу в чистоте и яркости, случается, что грамотно подобранная смесь ярче и чище оригинала. Единственное — в таких красках ни в коем случае не должно быть белил, так как краска будет абсолютно непригодна для темных глубоких смесей.

Масло

Для производства масляных красок наиболее популярно льняное масло. Лучшим маслом считается масло холодной выжимки. Качественное льняное масло имеет золотистый цвет и не имеет запаха. Для белой и холодных красок часто используется маковое масло, так как оно почти бесцветно, но основанные на нём краски дольше сохнут и могут потрескаться.

На свету и в присутствии воздуха масло «окисляется» и затвердевает, образуя прозрачную водоустойчивую пленку, удерживающую пигменты. Этот процесс не прекращается в течение 2-3 лет, за которые картина сначала существенно прибавляет в весе, а затем снова его теряет, но «подсохнуть» масло успевает за 4-12 дней. Полностью сухое масло очень хрупко и легко трескается при малейшем изгибе.

Льняное масло желтеет без света. Поэтому картина, долго пролежавшая в шкафу, обязательно пожелтеет. Если выставить пожелтевшую картину на пару недель на солнце, она вернет свой изначальный цвет. Рафинированное льняное масло устойчивее к пожелтению, но более хрупко. Некоторые пигменты боятся солнца поэтому картину не следует держать на ярком свету слишком долго.

Грунт

Чаще всего масляными красками рисуют на льняном или хлопковом холсте, или на деревянной панели. Чтобы писать масляными красками на холсте, дереве, картоне или другом каком-либо основании, на него сначала наносят грунт, чтобы воспрепятствовать вытеканию масла из красок, обеспечить лучшее сцепление красочного слоя с поверхностью холста и придать основанию определенную фактуру и цвет.

Наиболее популярными являются акриловые грунты как наиболее простые в применении и легкодоступные. Акриловый грунт наносится в 4-5 тонких слоев на растянутый холст или другую поверхность и полностью высыхает в течение одного дня. Акриловый грунт легко окрашивается в любой цвет с помощью добавления к нему акриловых красок или сухих пигментов. Чтобы воспрепятствовать впитыванию масла в грунт, его покрывают тонким слоем льняного масла или специально предназначенным для этого клеем. От качества грунта напрямую зависят яркость красок и долговечность работы. При использовании прозрачных и полупрозрачных красок цвет грунта может определять общий колорит картины, а также, до некоторой степени, может облегчать и ускорять работу над ней.

Импримату́ра (от итал . imprimatura — первый слой краски) — термин, используемый в живописи: цветная тонировка поверхности уже готового белого грунта, вошедшая в практику итальянских художников с XVI века. Д. И. Киплик, профессор Санкт-Петербургского института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, автор книги «Техника живописи», так писал о значении имприматуры:

Цвет грунта может играть большую роль в живописи, если пользоваться им по методу старых мастеров, то есть давать ему возможность просвечивать через слои красок и таким образом принимать деятельное участие в общем эффекте живописи. Так как просвечивание белого грунта весьма благоприятно отражается на лежащих на нем красках (прозрачных или полупрозрачных), то обыкновенно грунту дают белый цвет, которому при желании различными способами можно легко придать любой оттенок. При умении использовать цвет грунта его можно выдерживать в сером, красном, коричневом, тёмнокоричневом и др. тонах, в зависимости от живописной задачи. Каков бы ни был цвет грунта, он проявляет свою активность по отношению к тону лежащей на нем живописи лишь при том условии, если краски на нём лежат не слишком непроницаемым слоем. Обильным наслоением красок можно уничтожить действие всякого цвета грунта на тон живописи. Работая на цветных грунтах, не надо забывать, что масляному слою красок с течением времени свойственно приобретать большую степень просвечивания, и потому цвет грунта в дальнейшем будет проступать сильнее, чем в свеженаписанной картине. Цвет грунта в живописи имеет и иное значение, подобное камертону в музыке. Так, на сером грунте легче выдержать живопись в серых тонах, на красном и вообще тёплом грунте — в горячих тонах, на тёмном грунте — в тёмных тонах и т. д.

Красочный эффект старинной живописи складывается из ряда просвечивающих друг через друга красочных наслоений и грунта. Грунту, таким образом, в этой живописи придаётся весьма важное значение. И цвет его должен выбираться сообразно со световым и красочным эффектом картины.

Для каждой живописной задачи выбирается соответствующий грунт, который облегчает и ускоряет работу. Наиболее универсальным по цвету является светло-серый грунт нейтрального тона, так как он одинаково хорош для всех красок — как тёплых, так и холодных, и не требует слишком пастозной живописи.

Живопись с широким плоским светом и интенсивными красками (Рогир ван дер Вейден, Рубенс и др.) требует белого грунта; те же произведения, в которых преобладают глубокие тени, — темного грунта (Караваджо, Веласкес и др.).

Светлый грунт сообщает теплоту краскам, нанесённым на него тонким слоем, но лишает их глубины; тёмный грунт — придаёт им глубину. Тёмный грунт холодного оттенка — холод (Терборх, Метсю). Чтобы усилить на светлом грунте глубину теней, действие белого грунта на краски следует нейтрализовать прокладкой темно-коричневой краской в нужных местах (Рембрандт).

Развитие импрессионизма с его живописью alla prima и пастозными красками свело влияние цветного грунта практически на нет, и имприматура потеряла былое значение.Старые мастера умели пользоваться этим.

Кисть

Для письма масляными красками наиболее популярны кисточки из свиной щетины, использующиеся для грубой работы, и красный соболь для тонких деталей. Но рисовать можно не только кисточками. Например, можно рисовать мастихином, губкой или тряпкой — всем, кроме пальцев, так как многие пигменты токсичны и легко проникают сквозь кожу. Синтетические кисточки для рисования маслом практически непригодны, они легко портятся под воздействием лаков и растворителей и удерживают мало краски. Хорошая синтетика, близкая по качеству к натуральному волосу, зачастую намного его дороже. Важно отметить, что для живописи качество кисточек важнее качества красок (субъективное мнение).

Мастихин

Краски смешивают на палитре кистью или мастихином (специальный «нож» или «мастерок»). Мастихины делают из нержавеющего металла или пластика. Металлические мастихины более надежны и удобны, но могут изменить цвет некоторых пигментов или послужить катализатором для реакции некоторых пигментов в краске. В случае подобного риска обычно используют пластиковый мастихин. Чтобы избежать химических реакций пигментов и сохранить яркость красок, не следует смешивать более трёх пигментов сразу — к оттенку надо идти кратчайшим путем.

Палитра

Палитрой может служить деревянная дощечка, вощеная бумага, керамическая плитка или кусок стекла. Лучше использовать стекло, так как оно не впитывает масло, не реагирует с пигментами, легко очищается скребком и, под него можно подложить бумагу такого же цвета что и грунт, что существенно облегчает подбор и смешивание цветов. Так же часто используются профессиональные палитры из промасленного дерева, пластика или оргстекла.

Растворитель

Чтобы разбавить краску или сполоснуть кисточку, используют терпентин или любой другой растворитель — достаточно чистый, чтобы полностью испариться, не оставляя жирных пятен или других загрязнителей, способных испортить краску. Сильно разбавлять краску нельзя, так как она может не прилипнуть к предыдущему слою, если в ней не содержится достаточно масла. Минеральные растворители могут способствовать выцветанию краски. В верхних слоях картины для разжижения краски лучше использовать небольшое количество льняного масла.

Растворитель для мытья кисточки не выливают, а держат в специальной баночке с двойным дном — второе дно с отверстиями. Пигменты постепенно оседают на дно сквозь отверстия, и растворитель можно использовать снова, не боясь побеспокоить осевшую на дно грязь. Кисточку перед мытьем тщательно вытирают тряпкой. После мытья растворителем кисточки моют теплой водой с шампунем и тщательно вытирают, перед тем как убрать. Хранят кисточки обычно ставя вертикально в стакане, головой вверх, чтобы они быстрее высыхали и не теряли форму.

Для придания масляным краскам блеска к ним подмешивают специальные лаки и смолы, например даммарную смолу, растворённую во французском терпентине с добавлением сгущенного на солнце льняного масла. Краски могут потрескаться от избытка лака, поэтому лаков и смол не рекомендуется добавлять более десяти процентов от объема краски.

В современные краски так же часто добавляют вещества ускоряющие высыхание, так называемые сиккативы. Быстро сохнущие краски очень удобны, но могут потрескаться через несколько лет, когда краска полностью высохнет. Иногда, напротив, используют специальные краски, которые сохнут медленнее; это нашло применение в технике алла прима, подразумевающей выполнение картины за один сеанс.

Мольберт

Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. Мольберты бывают стационарные и переносные. И те, и другие делаются из дерева, металла или пластика. Наиболее популярны деревянные мольберты, так как они устойчивее алюминиевых и пластиковых мольбертов и в то же время существенно легче стальных.

Лак

Законченную полностью высохшую картину часто покрывают лаком, чтобы выровнять тон и защитить картину от разрушения. Один из наиболее популярных лаков — кетоновый. Он легко смывается спиртом в случае повреждения его поверхности.

Гласография

Отдельной техникой живописи является гласография, когда масляные краски наносятся на стекло с заранее подготовленным рисунком. В этом случае грунт не наносится и процедура письма осуществляется прямо по прозрачной поверхности стекла, но только с обратной, изнаночной стороны. Процесс высыхания красочного слоя на стекле более длительный, нежели на холсте, однако, в результате краски становятся с поверхностью практически одним целым.

Алла прима

Алла прима (от итал. alla prima — «в первый момент») — разновидность техники масляной живописи, позволяющая выполнить картину за один сеанс. Художник, использующий такую технику, заканчивает изображение до полного высыхания красок, в отличие от более традиционного метода рисования, предусматривающего нанесение красок слой за слоем и ожидание пока очередной слой высохнет.

Преимуществом данной техники является то, что нивелируются многие проблемы, связанные с применением различных объёмов масел и смол между слоями, поскольку в картине присутствует лишь один слой. Техника укрепилась в живописи с появлением работ импрессионистов, но также применяется и более «традиционными» художниками для создания предварительных набросков будущих картин. Примером могут служить этюды И. Репина к картине «Торжественное заседание Государственного Совета». Среди иностранных художников можно выделить голландца Франса Халса, одним из первых начавшим использовать технику «алла прима».

Сухая кисть

Техника портрета и методы рисования сухая кисть - растертые кистями краски на бумаге или ткани. Почему же называют эту технику Сухая кисть?- На палитре выдавлено немного черной масляной краски, совсем немного мокнув кистью в краску растираем ее на палитре, так, чтобы кисть была на самом деле почти сухая, потом на основу акварельной бумаги или ткани растиранием этой кистью наносится очень тонкий слой краски, втертая на основу, например акварельной бумаги краска не мажется на ощупь, например, только, что нарисованный портрет сухой кистью можно вставить в рамочку или свернуть в рулон для транспортировки без рамы. С первого взгляда техника сухая кисть очень похожа на нарисованные портреты карандашом, хотя все таки карандаш иногда используется, некоторые художники карандашом рисуют начальный рисунок - набросок, а потом уже растирают кистями краску, другие художники и вовсе не используют карандаш в этой технике от начала и до конца, например так рисуют некоторые художники Арбата.
Метод сухой кисти впервые начал свое существование приблизительно в середине 20 века, советские художники исполняли такие графические и цветные портреты растирая кистями краску на белой хлопчатобумажной материи, обычная белая простынь, тоже подходила для такого холста натянутого на подрамник, на бумаге не рисовали, объясняется это назначением (под открытым небом) и величиной портретов (до трех метров) бумага в условиях улицы для этого не практична. а живопись маслом дорога и недолговечна в этих условиях эксплуатации, да и более сложна. В основном это были портреты политических деятелей эпохи социализма: В. Ленина, И. Сталина, Л. Брежнева и других не менее важных персон. Во времена Л. Брежнева были придворные художники, их тогда еще называли художники ретушеры, ретушировать - то есть подправлять все изъяны лица, костюма, особенно это касалось изображений главных лиц - членов политбюро компартии СССР, которые должны были выглядеть на портрете намного красивее и более респектабельно. Методика портрета Сухая кисть здесь использовалась частично, так как, портрет изготавливался в нескольких техниках последовательно: сухая кисть, акварель, цветные карандаши, темпера.
В современном изобразительном искусстве сухая кисть воспринимается, как нетрадиционная техника рисования, ее используют в основном свободные художники Арбата. Не в одном художественном учебном заведении этой технике рисования не обучают, какая либо новая техника рисования просто не может быть признана в академических кругах по различным консервативным устоям, не смотря на то, что мы живем уже в 21 веке и портреты в этой блистательной технике рисования имеют большую популярность. Поэтому многие художники получившие художественное образование свое мастерство в рисовании сухой кистью уже оттачивают на Арбате. Нет нигде информации о технологии рисования сухой кистью и в книжных магазинах. Техника сухой кисти на первый взгляд кажется очень легкой и простой техникой рисования, но это далеко не так. Если вы решили хорошо овладеть этой техникой, все таки необходимо иметь некоторый опыт рисования портретов карандашом, сангиной или углем. Чтобы понять всю ее сущность, потайные тонкости, полюбить в ее работе, для этого надо каждый день рисовать по 2-3 портрета с натуры именно в этой технике, например, как художники на Арбате, ощутимые результаты проявятся через годы плодотворного труда. Портрет графика, метод сухой кисти или техника рисования масляными красками на акварельной бумаге или ткани признана многими свободными художниками во всем цивилизованном мире, популярность и спрос на нее постоянно увеличивается и растет с каждым днем!!!

Из истории фресковой живописи

Лора — Tue, 11 Jun 2013 06:05:17 GMT

Фреска составляет целую эпоху в развитии живописи.

История не дает нам точных сведений о том, когда впервые началось применение извести в качестве связующего вещества живописных красок. Надо предполагать, однако, что уже в глубокой древности был использован простейший способ применения ее в живописном деле, заключающийся в непосредственном смешении ее в виде гашеной извести с красками.
По словам Витрувия, древние греки прекрасно знали и использовали связующие свойства извести в штукатурном деле. Внутри здания они наносили на стену штукатурку в два слоя, наружные же стены здания покрывали многослойными штукатурками, причем и в том и в другом случае поверхность их выглаживалась, что практиковалось уже в древнем Египте.
Римляне, усвоившие греческую культуру, заимствовали от греков и любовь их к украшениям наружных и внутренних стен зданий, причем наряду с окраской стен широкое применение у них находит и стенная живопись, о чем свидетельствуют сохранившиеся стенные росписи Помпеи.
Живопись по свежей штукатурке стала приобретать значительные размеры впервые у римлян, причем изображала различные сцены, ландшафты и пр. Фресковая живопись римлян мало похожа на итальянскую фреску времен Ренессанса. Связующим веществом красок в стенной живописи служили у римлян, кроме извести в чистом виде, соединения ее с животным клеем, казеином (в виде молока) или яичным белком, а также клей в чистом виде. Для укрепления самих слоев штукатурки в их растворы вводилось иногда молоко, чаще пемза – вещество вулканического происхождения.
История росписи по сырой штукатурки уходит своими корнями в историю древних восточных царств. Фрески повсеместно использовались в античных интерьерах Греции и Рима. Своего расцвета этот способ декорирования стен достиг в эпоху Высокого Возрождения благодаря гениальным итальянским мастерам той эпохи.
В настоящее время термином «фреска» могут называть любую стенную живопись, вне зависимости от её техники (а секко, темпера, живопись масляными, акриловыми красками и т. д.). Для обозначения непосредственной техники фрески иногда используют именование «буон фреска» или «чистая фреска».
Точной даты появления фресок не известно, но уже в период Эгейской культуры (2-е тыс. до н. э.) фресковая живопись получила широкое распространение . Доступность исходных материалов (известь, песок, окрашенные минералы), относительная простота техники живописи, а также долговечность произведений обусловили большую популярность фресковых росписей в античном мире. В христианском искусстве фреска стала излюбленным способом украшения внутренних и (реже) внешних стен каменного храма.
Фреска, позволяющая создавать монументальные композиции, органично связанные с архитектурой, – одна из основных техник стенных росписей . Штукатурный грунт для фрески накладывается, как правило, в несколько слоев и состоит из гашеной извести, минеральных наполнителей (кварцевый песок, порошок известняка, дробленые кирпич или керамика); иногда в состав грунта включают органические добавки (солома, пенька, лён и т. п.). Наполнители предохраняют штукатурку от растрескивания.

Для фрески применяются краски, не вступающие в химические соединения с известью. Палитра фрески довольно сдержанна; употребляются главным образом натуральные земляные пигменты (охры, умбры), а также марсы, синий и зеленый кобальт и т. д., реже краски медного происхождения (голубец и др.). Растительные краски, киноварь, синие, а иногда и черные краски наносятся на уже просохшую штукатурку с помощью клея. Фреска позволяет пользоваться тонами в их полную силу, но при высыхании краски сильно бледнеют. Важную роль во фреске играют лессировки, но при большом количестве слоев цвет ослабевает и бледнеет. Кроме собственно фрески с глубокой древности известна роспись по сухой штукатурке (а секко).

Точная дата появления фресок неизвестна, но уже в период Эгейской культуры (2-е тыс. до н. э.) фресковая живопись получила широкое распространение. Это была живопись красками, где в качестве связующего использовались клей или казеин, а сама техника была близка к «а секко». Доступность исходных материалов (известь, песок, окрашенные минералы), относительная простота техники живописи, а также долговечность произведений обусловили большую популярность фресковых росписей в античном мире.

С первых веков н. э. близкие к фреске росписи создавались у народов Востока (в Индии, Средней Азии и др.). Античные мастера заканчивали фреску по сухому с помощью темперы. Этот прием был характерен и для средневековой фрески, получившей развитие в искусстве многих стран Европы. Новый расцвет искусство фрески пережило в творчестве итальянских мастеров эпохи Возрождения (Джотто, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Рафаэль, Микеланджело и др.).

В христианском искусстве фреска стала излюбленным способом украшения внутренних и (реже) внешних стен каменного храма.

В Древней Руси техника стенной росписи в основном была смешанная — живопись водными красками по сырой штукатурке дополнялась темперно-клеевой техникой (фон, верхние прописки) с различными связующими (яйцо, животные и растительные клеи).

В Европе в эпоху Возрождения владение искусством стенной росписи стало одним из важнейших мерил мастерства художника. Именно тогда в Италии фресковая живопись достигла своего наивысшего развития.

До нашего времени дошли великолепные росписи Джотто, Микеланджело, Рафаэля, Рублева, Дионисия и других прославленных мастеров. К сожалению, немало фресок погибло. Среди них - работы Леонардо да Винчи (1452 - 1519). Гениальный художник и экспериментатор, он постоянно стремился к усовершенствованию техники живописи. Однако его попытка писать масляными красками по фресковому грунту оказалась неудачной: фреска "Тайная вечеря" в трапезной миланского монастыря Санта - Мария делле Грацие начала осыпаться вскоре после ее создания. Разрушение великого творения Леонардо довершили неумелые реставрации и солдаты Наполеона, устроившие в трапезной конюшню.

О величии фресок можно судить по творениям Рафаэля и Микеланджело. Совсем недавно в личной молельне римских пап - Сикстинской капелле - проведена реставрация колоссальных фресок Микеланджело "Сотворение мира" и "Страшный суд ". Состояние стен капеллы было проверено с помощью самой современной электронной аппаратуры, а для анализа химического состава использованных художником красок применены наиболее совершенные физико-химические методы. Реставраторы очистили поверхность красочного слоя специальным составом и нанесли слой акрилового лака на защищаемую поверхность.
В подобной заботе нуждаются и памятники отечественной культуры. Огромного уважения заслуживают усилия художников А. П. Грекова, Н.В. Гусева, А. К. Крылова, стремящихся сохранить для потомков дошедшие до нашего времени древние фресковые росписи.

Античная фреска

По свидетельству Витрувия, в Древней Греции для отделки наружных и внутренних стен сооружений использовалась известковая штукатурка в несколько слоёв с выглаженной до блеска поверхностью. От греков римляне переняли обычай окрашивать стены по штукатурке, позднее появилась и стенная роспись по свежеуложенному раствору, которая называлась "in udo"(«по сырому»). Известковая штукатурка наносилась в семь слоёв, причём в нижние добавлялся песок, а в верхние — мраморная крошка. Для предотвращения появления трещин в растворы вводилось небольшое количество воды, при нанесении слои уплотнялись. Крепость покрытия достигалась добавлением молока, толчёного кирпича, пемзы и, в редких случаях, пеньки, соломы. Так в стенных росписях Помпеи обнаружена пемза, причём не только в штукатурке, но и в красочных слоях, где она применялась в качестве белил. Нанесение штукатурки в несколько слоёв позволяло замедлить процесс её высыхания, и следовательно, увеличить время работы по сырой поверхности.

Выбор связующих веществ для красок диктовался видом применяемых пигментов. В качестве связующего использовались животный клей, чистая известь и её смеси с казеином, яичным белком, клеем. Витрувий для сохранности росписи советовал после высыхания фрески покрывать её поверхность смесью масла с воском с последующим нагреванием и промоканием растопленного воска.

Византия

Правила древней византийской фресковой живописи описаны в «Ерминии Дионисия Фурноаграфиота» иконописца Дионисия (XVII в.). Масштабность настенных росписей, выполняемых в Византии, требовала увеличения времени работы по свежему раствору. Уменьшилось до двух количество слоёв штукатурки, в раствор вместо толчёного мрамора вводились для нижних слоёв солома, для верхних — лён или пакля, хорошо удерживавшие влагу. Избежать трещин помогало выдерживание гашёной извести для раствора некоторое количество времени на воздухе. Верхний слой штукатурки наносился сразу на всю площадь, подлежащую росписи. Самый ранний пример византийской фресковой живописи (500—850 гг. н. э.) сохранился в римской церкви Санта Мария. Поверхность этой росписи была отполирована так же как и у древнеримских фресок, в дальнейшем византийские художники отказались от этого приёма.

Древняя Русь. Россия

В России образцы древнерусской фресковой живописи относятся к XI–XVII вв. Два памятника фресковой живописи – росписи Светогорского монастыря близ Пскова и Ферапонтова монастыря около г. Кириллова, выполненные выдающимися русскими мастерами, являются примерами классического периода древнерусской фрески.

Первоначально древнерусские живописцы придерживались техники выполнения фресок, принятой в Византии. Штукатурка (левкас), нанесённая на стену, была пригодна для письма по сырому в течение нескольких дней. Это обстоятельство позволяло наносить раствор сразу на всю площадь, предназначавшуюся для росписи. Позднее рецептура левкаса изменилась: в 1599 году епископ Нектарий, греческий художник, оставшийся жить в России, в своём наставлении «Типик» советует не оставлять грунт на стене «без письма» на ночь или даже перерыв на обед. Известь для левкаса интенсивно промывалась водой для удаления гидрата окиси кальция (так называемой «емчуги»), который, выступая уже на готовой фреске, безвозвратно портил роспись. При такой обработке способность извести к закреплению красок снижалась, поэтому сокращалось время письма по сырому. Схожая система подготовки извести описана в работе Паломино, посвящённой технике фрески. Древнерусские стенные росписи всегда завершались по сухому красками, где связующими были либо яичный желток, либо растительные клеи. Более поздние росписи исполнялись уже полностью яичной темперой, с XVIII века заменённой совершенно неподходящими для стенной живописи масляными красками.

В конце XIX и начале XX в. русскими художниками Ф. А. Бруни, К. П. Брюлловым, И. Е. Репиным, В. И. Суриковым, В. М. Васнецовым, М. В. Нестеровым, М. А. Врубелем и другими выполнены техникой фрески росписи на религиозные темы в соборах и церквах Москвы, Ленинграда, Киева и других городов.

Итальянская фреска

Итальянская роспись стен, как и всё изобразительное искусство, долгое время следовала византийским образцам, лишь в конце XIII она начала обретать самостоятельность.

Итальянская эпоха Ренессанса именовала живопись, исполненную по свежей штукатурке, сокращенным термином: «a fresco». Чтобы сказать: «писать по свежей штукатурке», итальянцы говорили: «dipingere a fresco», что в буквальном переводе значит: «писать по свежему». У нас же обычно говорят и пишут: «живопись аль фреско», «писать аль фреско», что в переводе имеет совершенно другой смысл и значит: «живопись на свежем воздухе, холодке».
Живопись, исполненная исключительно по свежей штукатурке, называлась также у итальянцев «buon fresco» (буон фреско), т. е. истинная фреска, чтобы отличить ее от другого способа известковой живописи, носившей название «fresco a secco» (фреско а секко), в котором краски также связываются в живописи с известью, но наносятся на известковую уже выстоявшуюся штукатурку, которая перед началом работы только смачивается водой .
Такова подлинная старинная итальянская терминология, которая имеет для нас в настоящее время лишь историческое значение. Разновидности так называемой фресковой живописи, в которой связующим веществом является известь, следовало бы назвать просто «известковой живописью», подобно тому, как живопись, в которой краски вяжутся маслом, называется масляной живописью, где ту же роль играет клей, - клеевой живописью и т.д.

С XVI века в Италии распространилась "чистая" фреска без применения темперы. Традиции фрески в дальнейшем жили в декоративных росписях XVII-XVIII вв. В XIX веке к фреске обращались отдельные художники (представители стиля "модерн" и др.). В технике фрески работали многие прогрессивные художники XX века (А. Боргонцони в Италии, Д. Ривера в Мексике и др.).

Впервые технику чистой фрески описал в 1447 году Ченнино Ченнини. Одним из первых циклов, исполненных в этой технике, историки искусства считают сцены с Исааком в церкви Сан Франческо в Ассизи (ок. 1295), ранее приписываемые неизвестному мастеру, позднее они стали атрибутироваться как работа Джотто.

Техника чистой фрески проигрывает в скорости по сравнению с живописью секко, но превосходит её в богатстве цветовой нюансировки, так как краски, наложенные на сырую штукатурку довольно быстро закрепляются, у художника есть возможность писать с применением лессировок без опасения размыть уже нанесённый красочный слой. По сравнению с секко роспись по-сырому гораздо более долговечна.

К недостаткам фрески можно отнести сравнительно небольшое количество красок, известных во времена старых мастеров, пригодных для этого вида живописи.

После принятия окончательного решения по композиции росписи и выполнения эскиза, делался картон. Рисунок на нём во всех деталях воспроизводил замысел художника в масштабе будущей росписи. При больших размерах росписи поверхность делилась на участки — дневные нормы, в Италии они называются джорнаты. Разделение производилось по контурам деталей композиции, часто в области тёмного цвета, чтобы шов, разделяющий участки, выполненные в разные дни (вульта), был малозаметным. Контуры переносились на подготовительный слой штукатурки либо по разрезанным частям картона, либо для сохранения картона по кальке, снятой с него с нанесённой по ней сеткой. Рисунок наносился припорохом через проколы в кальке с помощью порошка угля, охры либо передавливанием. Линии предварительного рисунка усиливались чаще всего сангиной. На рисунок, начиная с верха стены, чтобы избежать потёков и брызг раствора нижней части росписи, наносился слой известковой штукатурки "интонако", он расписывался в течение одного дня. Толщина интонако, наносимого по трём нижним подготовительным слоям штукатурки варьировалась от 3 до 5 миллиметров. Согласно описанию Ченнини интонако наносился на смоченную водой штукатурку и тщательно выглаживался.

Работа по сырой штукатурке, так называемому «спелому раствору», который схватывается через десять минут довольно трудоёмка и требует сноровки и опыта: как только кисть, легко до этого скользящая, начинает «боронить» основание и «намазывать» краску, роспись прекращается, так как красочный слой уже не проникнет глубоко в основание и не закрепится. Слой штукатурки, оставшийся не записанным, срезается наискось наружу, новая часть приштукатуривается к предыдущему слою.

Во фресковой живописи возможны только незначительные исправления, переделать её нельзя: неудачные места просто сбиваются и процесс росписи повторяется. Приступая к работе, художник должен представлять, какими станут использованные им цвета после окончательного высыхания (через 7 — 10 дней). Обыкновенно они сильно высветляются, для того, чтобы понять, как будут они выглядеть после высыхания, краски наносятся на материал, обладающий сильной впитывающей способностью (рыхлую бумагу, мел, гипс, умбру).

За день художник расписывает 3—4 квадратных метра стены. Детали прописывались до начала XVI века по сухому темперой. По сухому же наносились некоторые цвета (яркие зелёные и синие), так как для живописи по сырой штукатурке было пригодно ограниченное количество пигментов. По окончании росписи её поверхность шлифуют, иногда — полируют с нанесением мыльного раствора с воском. Подобная обработка поверхности штукатурки описано Леоном Баттистой Альберти, возможно, что старые мастера пользовались им по окончании работы над фреской. Росписи художников начиная от Джотто и вплоть до Перуджино имеют характерную отполированную поверхность, причём позднее поверхность росписи делалась блестящей неравномерно — участкам с изображениями лиц персонажей придавался более сильный глянец.

С начала XVI века почти не применяется пропись фрески по сухому темперой, с этого момента начинается период господства чистой фрески (buon fresco). В этой манере работали все художники Высокого Возрождения, в том числе Рафаэль, Микеланджело, а позднее — Вазари, Тинторетто, Лука Джордано и Тьеполо.

Конструктивные особенности зданий, возводимых в это время, привели к уменьшению толщины штукатурки, количество наносимых слоёв её сократилось с трёх до двух. Поверхность фресковых росписей становится матовой, шероховатой. Судя же по руководству, написанному Андреа Поццо, позднее поверхность штукатурного слоя специально зернили перед началом работы. В эпоху барокко становится популярным корпусное, пастозное письмо, а с XVIII века фреска выполняется не известковыми водорастворимыми, а казеиново-известковыми красками.

XVIII — XIX вв.

Казеиново-известковая живопись получила широкое распространение и за пределами Италии — прежде всего в Германии и Испании. В этой технике работали Тьеполо (частично), Трогер, Гюнтер, Азам, Кноллер. Период господства этой техники закончился в начале XIX века.

Техника темперной живописи

Лора — Wed, 24 Apr 2013 13:27:47 GMT

Основы живописи

Скупова Любовь Леонидовна / С добрым утром! / Живопись [Портрет] темпера

Успешность в работе темперой, как и в любой другой технике, во многом зависит от наличия необходимых принадлежностей.

Кисти для темперной живописи нужно иметь колонковые и щетинные. Очень хороши в работе плоские колонковые кисти. После работы их надо тщательно промыть в теплой воде с мылом.

Палитры в темперной живописи применяются фарфоровые или белые эмалированные. Они должны иметь по краям не менее двенадцати лунок для красок. Центральная часть служит для смешивания красок. Воду можно налить в банку, которую укрепляют на палитре или располагают рядом. После окончания работы необходимо тщательно очистить палитру от оставшейся краски, смыв ее губкой или тряпкой.

Этюдник нужен такой же, как и для масляной живописи, с той лишь разницей, что палитра для красок будет не деревянная, а фарфоровая или эмалированная.

Перед тем как приступить к выполнению этюда красками (как темперой, так и гуашью), необходимо в рисунке композиционно решить размещение всех элементов будущего изображения, построить предметы с учетом их расположения в пространстве. Рисунок в данном случае носит вспомогательный характер, поэтому рекомендуется избегать резких и толстых линий, которые могут быть впоследствии заметны при покрытии тонкими красочными слоями.

Варианты общей композиции удобно искать в предварительных небольших набросках, добиваясь выразительности расположения объектов в том или ином формате листа, ясности тональной и цветовой задачи. Если рисунок под темперную живопись выполняется углем на грунтованном холсте, то его фиксируют раствором желатина.

Живопись начинают с тонкослойных прокладок крупных участков этюда. Если в акварели рекомендуется работу вести от светлых тонов к темным, то в темпере нужно одновременно в полную силу тона намечать и темные места изображения. Соблюдая принцип «от общего к частному», от крупных форм переходят к выявлению нужных деталей, не упуская цельности больших цветовых масс.

В темперной, как и в масляной живописи, следует меньше употреблять белил при написании теневых участков формы, добиваясь тем самым звучности и активности цвета.

Темперная живопись позволяет применять разнообразные приемы, включая технику письма по сырому, многослойную живопись, раздельными мазками как пастозно, так и тонкими, почти прозрачными слоями.

В краткосрочных этюдах темперой цветовые отношения нужно брать сразу во всю силу, для чего используют технику alla ргimа, решая форму в один прием без расчета на дальнейшую прописку.

Темперу хорошо использовать и в качестве подмалевка под масляную живопись, так как она позволяет путем больших покрытий решать в начальной стадии крупные цветовые массы, организуя колорит всей картины.

Если перед художником стоит задача передать тонкие тональные переходы (например, в изображении облаков, отражения в воде, в трактовке крупных складок одежды, в решении предметов дальнего плана и т. д.), уместно применить письмо по сырому, то есть по смоченному холсту или по только что прописанному участку, используя при этом мягкие соединения смежных тонов. Такой способ рекомендуется также при передаче теневых участков натуры, которые отличаются обобщенностью, отсутствием резких границ формы. Работу лучше вести без белил.

Письмо с помощью пастозного раздельного мазка рекомендуется при передаче освещенных мест там, где имеются довольно контрастные тональные отношения, где требуется передать четкие границы формы, выявить материал предмета. При этом надо стараться не забивать фактуру холста.

Положенный на холст мазок должен убедительно передавать натуру, но не быть самоцелью. У начинающего живописца иногда появляется соблазн работать «красивым мазком», без учета характера изображаемых форм и требуемого решения этюда.

Правила работы с гуашью

Лора — Wed, 24 Apr 2013 13:23:17 GMT

Гуашевые краски разводятся водой до состояния жидкой сметанообразной массы. Ввиду склонности гуашевых красок к расслоению их следует тщательно размешивать. Излишек воды делает красочный слой тонким, просвечивающим и краска теряет плотность, при этом краска высветляется, а после высыхания красочный слой обычно пачкается и растрескивается.
Работая гуашью, не следует размывать краску и растирать ее кистью в одном и том же месте.
Нужно помнить, что гуашь при нанесении ее на бумагу не должна собираться «островками», так как, высохнув, они образуют пятно, которое последующим нанесением краски перекрыть уже невозможно. Гуашь, положенная толстым слоем, образует клеевое блестящее пятно.
Гуашь наносят на бумагу или холст тонким ровным слоем, вписывая один цвет в другой, когда предыдущий слой еще влажный. Перекрывать слой краски несколькими слоями не рекомендуется. При работе гуашью рекомендуется вначале покрывать бумагу в горизонтальном направлении, а затем поперек вертикальными мазками, тщательно сохраняя четкость очертаний рисунка.
Чтобы закрасить поверхность ровным по цвету слоем, необходимо кисть предварительно смочить в воде и только после этого брать ею краску, но краску не следует брать из банки, так как смоченная кисть будет брать краску различной густоты и при высыхании на живописи могут быть полосы. Поэтому краски перед работой следует разводить в отдельных чашечках.
Кроме этого, для получения ровного по цвету поля следует пользоваться шероховатой бумагой или картоном.
Работу гуашью как на этюдах, так и при исполнении композиций надо вести на хорошо натянутой бумаге; плохо натянутая бумага будет коробиться. Для натягивания ее используют стиратор или фанерный планшет. Положив на планшет бумагу, ее края отгибают на 2—З см и смачивают губкой лицевую сторону, края смазывают мучным клейстером. При наложении бумаги на планшет следует избегать образования морщин. Наклеивание бумаги начинают с середины планшета, натягивая ее. Стиратор не требует наклеивания бумаги. Он состоит из доски, вставленной в раму, или из двух рам (без досок). В обоих случаях края бумаги плотно зажимаются рамой.
Под живопись гуашью можно использовать и хорошие сорта картона. Если картон низкого сорта и поверхность его волокниста, его следует покрыть раствором рыбьего клея (в пропорции 15 г сухого клея на 150 г воды), добавив 10 капель формалина. Картон можно проклеить и слабым раствором желатина и покрыть клеевым грунтом.
Если необходимо выполнить работу на материи, то материю, предварительно натянув на подрамник, проклеивают крахмальным клейстером. В некоторых случаях гуашью приходится выполнять работу и на холсте (например, эскиз театральных декораций) с использованием при этом клеевых красок. Натянутый на подрамник холст проклеивают и покрывают чаще всего клеемеловым или казеиновым грунтом.
Необходимые поправки в процессе работы вносят только по смачиванию или удалению краски, соскоблив ее бритвой или скальпелем.
В гуаши больше, чем в акварели и темпере, проявляется силуэтность нанесенных на плоскость смежных цветовых пятен, резкость мазка. Поэтому в гуаши труднее лепить форму, добиваясь мягкости перехода одного тона в другой. Так, чтобы передать в этюде гуашью тонкие цветовые и тональные градации -в изображении человека, требуется большой опыт живописной моделировки формы.
Прием лессировки в гуаши почти не применяется. Пастозным свойствам гуаши больше соответствует живопись, построенная на декоративности цветового решения, силуэтности тональных масс изображения.
В работе над этюдами пейзажа и натюрморта уместно писать мазком, создавая игру цветовых пятен при выявлении формы предметов. При этом нужно использовать в живописи разнообразные приемы, выбор которых будет во многом зависеть от характера формы наблюдаемых предметов, контрастности цветов и структуры поверхности . Тонкослойные красочные покрытия можно сочетать с пастозными, широкий мазок в изображении крупных масс — с мелкими мазками, заостряющими характеристику формы, выявляющими нужную деталь и т. д.
Для работы гуашью применяют мягкие, но упругие кисти, как плоские, так и круглые; некоторые живописцы-станковисты используют эластичные круглые щетинные кисти.
В гуашевой живописи применяют преимущественно беличьи и колонковые кисти, в декоративных работах — крупные номера щетинных кистей. После окончания работы их надо хорошо промывать.
Когда необходимо покрыть каким-либо колером большую плоскость (например, в работе над плакатами), используют большую плоскую щетинную кисть — флейц. Поверхность рекомендуется покрыть гуашью два раза. Сначала флейцем проводят полосы слева направо, последовательно по всей площади, затем — поперек первого покрытия. Следует избегать слишком пастозного письма, так как красочные слои легко растрескиваются и осыпаются.
Гуашь широко применяется при работе плакатными перьями и рейсфедером. Для этого ее разводят так, чтобы краска легко сходила с пера или рейсфедера.
При закрашивании больших плоскостей гуашь разводят и наносят аэрографом.
Перед работой непосредственно на ткани ее следует покрыть смачивателем № 1, предотвращающим скатывание краски в капли.
При работе над плакатом, предназначенным для улицы, в краску надо добавить 5-6 - процентный раствор столярного клея или желатина, а также алюмокалиевые квасцы, служащие дубителем для клея.
Главная трудность работы гуашью заключается в том, что краска, высыхая, резко изменяет свою светлоту, и художнику трудно следить во время работы за правильностью цветовых и тоновых соотношений.

Светлеют: окись хрома, кобальты, кадмии, охра светлая, охра золотистая, изумрудная зеленая.
Темнеют и вновь высветляются: сиена натуральная, сиена жженая, краплаки, ультрамарин.
Темнеют: ганза желтая, оранжевая.

Темнеющие краски и краски высветляющиеся обычно разбеливают цинковыми или серебристыми белилами, входящими в ассортимент гуашевых красок. В разбеливании нуждаются также лессировочные и полулессировочные краски для повышения их укрывистости.
Для определения цвета высохшей гуаши можно пользоваться заранее составленными накрасками, что упростит работу начинающему живописцу; вообще же работа гуашью требует определенных навыков. Хранить гуашь следует в плотно закрытых банках при комнатной температуре, не допуская охлаждения ниже нуля.
В случае, если гуашь засохла, ее можно легко восстановить. Для этого краску заливают водой или лучше однопроцентным раствором желатинового или столярного клея н растворяют в течение двух-трех суток, после чего тщательно размешивают до получения однородной массы.
Хранить работы, выполненные гуашью, следует в папках. Сворачивать такие работы в трубки нельзя из-за хрупкости красочного слоя.
Кроме того, нельзя, чтобы листы живописи терлись друг о друга, поэтому нужны прокладки из папиросной бумаги.
Растрескивание или осыпание красочного слоя возможно в случае если краска нанесена очень толстым слоем.
Наиболее удобна для гуаши фарфоровая или пластмассовая палитра с лунками для красок по краям. Краски смешивают в середине палитры. После работы палитру следует мыть водой с помощью губки или ваты.
При комнатной температуре гуашь высыхает в течение одного часа.
При рассмотрении в оригиналах и в репродукциях произведений выдающихся мастеров можно видеть особенности использования техники гуаши.
В акварельных работах часто применяют гуашевые белила, смешивая их с акварельными красками, корпусными мазками, нанесенными колонковой кисточкой, прописывают некоторые участки этюда.
Широкое применение находит гуашь в работе над эскизами театральных декораций, где приходится обобщенно решать предметы обстановки, пейзаж, учитывая особенности сценического освещения. Эскизы костюмов актеров чаще всего выполняют гуашью, так как она дает яркие тона и позволяет наносить красочный узор по предварительно покрытой цветом поверхности рисунка.
В декоративных композициях гуашевые краски дают возможность вести работу и колерами, то есть заранее составленными цветовыми смесями, испробованными на высыхание. Колеры часто применяются в работе над монументальными росписями, крупными декоративными панно, а также в оформительской практике. Перед тем как приступить к работе колерами, необходимо определить цвета, которые характеризуют основу живописного решения произведения. Затем каждую краску надо развести в отдельной баночке и проверить, соответствует ли цвет уже высохшего колера задуманному цвету; смешивая колеры, можно получать промежуточные тона. Некоторые колеры являются смесью двух трех цветов.

Правила подготовки бумаги для акварельной живописи

Лора — Wed, 24 Apr 2013 13:16:52 GMT

1. Очистка поверхности бумаги

Поверхность подобранной по фактуре и качеству бумаги должна быть совершенно чистой. С нее должна быть удалена мелкая, часто невидимая пыль, мелкие загрязнения. При этом пользоваться резинкой не следует. Для удаления пыли и загрязнений бумагу промывают мыльным раствором, который готовят из слабощелочного мыла, например детского. Наструганное мыло растворяют в теплой воде до получения жидкости, напоминающей снятое молоко.

Мыльный раствор наносят на бумагу мягкой кистью, осторожно промывая всю поверхность.

На бумаге, очищенной от пыли, краски будут ложиться равномерно и мягко, в то время как на непромытой бумаге краски будут собираться в капли.

В процессе работы нужно следить за чистотой бумаги, с тем чтобы на ней не образовывались пятна от прикосновения рук. Образовавшиеся пятна (даже незаметные для глаза) мешают равномерному нанесению красок. Поэтому перед началом работы руки следует тщательно вымыть.

2. Крепление бумаги на подрамник или планшет

Второй стадией подготовки бумаги к живописи является крепление и натяжка бумаги на подрамник.

Подрамник лучше всего изготовить из мягкой древесины, например липы, к которой легко крепить бумагу кнопками. Подрамник должен быть глухим - с наложенной и прибитой к нему фанерной филенкой. Для устранения гигроскопичности и исключения деформации и вспучивания фанерной филенки желательно подрамник и филенку покрыть с двух сторон горячей олифой. Такой подрамник пригоден для письма по сырому, когда под увлажненную бумагу подкладывают тонкий слой смоченного поролона, увлажненную тряпку, фильтровальную или промокательную бумагу.

Если бумагу на подрамнике укрепляют на непродолжительное время, то ее крепят кнопками.

При длительной работе бумагу натягивают на планшет. Для этого ее смачивают с двух сторон. Это позволяет натягивать ее более равномерно. Бумага должна быть большего размера, чем планшет, на 2,5 - 3 см. Для закрепления листа бумаги на планшете края листа смазывают столярным клеем или клеем из густо заваренной муки.

Последовательность натягивания бумаги на планшет:

а) бумагу смачивают с одной стороны и оставляют на некоторое время;

б) бумагу накладывают на планшет, разглаживают, чтобы не было морщин;

в) поднимают планшет и загибают края бумаги;

г) смазывают кромку бумаги клеем;

д) накладывают бумагу на планшет, приклеивают левую и правую кромки бумаги;

е) заделывают два нижних угла бумаги;

ж) подтягивают, разглаживают бумагу и приклеивают верхнюю кромку;

з) заделывают все углы;

и) оставляют бумагу до полного высыхании и натяжения

При креплении смоченной бумаги к подрамнику ее растягивают вначале посередине вдоль длинных сторон, затем натягивают середины коротких сторон листа; после этого бумагу натягивают к углам - по диагоналям листа - и поправляют, подтягивая, если это требуется, промежутки сторон бумаги, чтобы не осталось складок по краям.

3. Увлажнение бумаги

Для смачивания бумаги пользуются губкой, в которую набирают небольшое количество воды. Бумага протирается губкой так, чтобы края ее с тыльной стороны, куда наносится клей, оставались сухими. Затем смачивают лицевую сторону бумаги, увлажняя и края. Большие листы смачивают целиком, после их натяжки.

Если бумагу не приклеивать к планшету, а прикреплять к нему кнопками, то в этом случае нужно смачивать ее с двух сторон, включая и края на тыльной стороне.

Для облегчения работы красками рекомендуется лицевую сторону бумаги смочить смачивателем № 1 (препаратом из бычьей желчи), выпускаемым Ленинградским заводом художественных красок. Смачиватель № 1, который равномерно разносится по бумаге, не дает краске скатываться в капли.

4. Сушка бумаги

Сушку натянутой бумаги следует производить при умеренной температуре без каких-либо дополнительных источников тепла, например солнца, рефлекторов и т. п., при этом не подвергая натянутую бумагу сквознякам, иначе ее может повести или даже разорвать.

Кроме обычного натягивания бумаги на планшет, иногда живописцы пользуются стиратором, представляющим собой рамку с прижимом.

Смоченную бумагу накладывают на прижим, сверху накладывают
рамку и прижимают ее так, чтобы она плотно натягивала бумагу. Обычно стиратором: пользуются при работе с натуры на пленэре.

Обработка бумаги для сохранения её белизны

Очень важное значение в акварельной живописи имеет белизна бумаги. Белизна бумаги - это как бы источник отраженного света изнутри живописи, бумага тут является световым экраном; кроме того, белая бумага служит оптическим разбеливателем акварельных красок, в палитре которых белая отсутствует.

Белый цвет бумаги, просвечивая сквозь слой красок, придает живописи особую свежесть; как только белый цвет бумаги исчезает, акварель теряет свою прозрачность, легкость и напоминает гуашь.

Выпускаемая бумага, в том числе и чертежная и рисовальная, склонны к пожелтению, особенно чертежная бумага, имеющая в своем составе 70% хлопка и 30% древесной целлюлозы. Все виды чертежно-рисовальной бумаги, выпускаемой промышленностью, имеют канифольную проклейку со значительной кислотностью. Кислотность бумаги объясняется главным образом наличием сернокислого глинозема, применяемого при обработке канифольного клея.

Для предотвращения пожелтения бумагу обрабатывают водным
раствором метаборнокислого кальция Ca(BO₂)₃ • 2Н₂О, которого
берут 3,5 г на литр дистиллированной воды. Вместо метаборнокислого кальция можно применять раствор борнокислого кальция Са(ВО₂)₂в количестве 2,5 г на литр дистиллированной воды. Температура раствора 18-20°, степень щелочности раствора- 10,7.

Придание шероховатовой бумаге гладкости

Пористую, шероховатую, ворсистую бумагу можно несколько улучшить. Для удаления ворса и задубливания пористости бумагу с двух сторон протирают губкой, смоченной в 4-5-процентном растворе алюмокалиевых квасцов, и затем высушивают.
http://shedevrs.ru/osnovi-givopisi/414-podgotovka-bumagi.html